“依托XR技术全流程辅助用户达到沉浸虚拟的感受，如同电影《头号玩家》中的场景，通过构建一个虚拟的世界，和现实世界相互作用，最终呈现虚拟与现实的融合……”

这些充满高端科技感的语句描述，听起来像一场新科技发布会，但实际上，这是在解释一场演唱会。

随着国内疫情的好转，电影、电视剧、综艺等领域都早已有起色，唯独对演出行业的打击，短时间内很难恢复。尤其是演唱会，本就是在追求现场感，一票难求、灯牌大战、全场合唱等这些多年来讨论的议题，几乎都不复存在。取而代之的是暂时性线上演唱会，但不论是国内还是国外，线上演唱会依然处于摸索阶段，观众对演唱会的需求，主要是对现场氛围的感受，对现场演唱的享受，而线上演唱会最多只是满足歌迷的听歌需要，很难将这和上网听歌区别开，如何在线上演唱会上取得突破，是行业内共同追寻的议题。

THE9“虚实之城”演唱会海报

3月12日，爱奇艺宣布，《青春有你2》里出道的偶像组合THE9将于3月26、27日举办“虚实之城”沉浸式虚拟演唱会。这场演唱会，首先是一场线上直播演唱会，但观众不仅会看到网络直播这么简单，XR沉浸式虚拟技术将利用新科技推出新的演唱会玩法，9位女孩突破自我的故事会具象化地呈现在观众面前，每个成员都有一座属于自己的“城市”，并在其中表演诠释自己的歌曲。

XR技术，是一种融合VR（虚拟现实）、AR（增强现实）、MR（混合现实）技术的扩展显示技术。VR，能让人完全沉浸在虚拟环境中；AR能创建一个叠加在虚拟内容的世界，但不能与真实环境交互; MR则是虚拟与现实的混合体，它能创造出可以与真实环境交互的虚拟物体。最后，XR则是包括三种“现实”（AR，VR，MR）的技术。在XR虚拟技术的使用现场，无实景、无绿幕，实时渲染场景，表演者在LED屏幕所构建的空间中进行表演，而观看者则能够在三种技术叠加之下，产生表演者真实地在一个室内或户外环境里表演的感受。

这些听起来的抽象描述，不到直播那一天，恐怕很难具体理解其中意思。但在这一年线上演唱会领域探索中，爱奇艺的此次创新，算是一次走在前沿的尝试。

虚拟城市图

尤其THE9是偶像组合，偶像组合的演唱会是粉丝和演唱者互动最紧密，粉丝要求最高，也最在意观众氛围。将线下演唱会搬到线上，并不仅仅是用摄像机和网络那么简单就能让粉丝买单，比如和偶像如何互动才能让粉丝满意度不输线下？灯牌应援这类粉丝需求怎么得到满足？粉丝是否对这场虚拟演唱会心甘情愿掏钱并得到好的体验？XR沉浸式虚拟技术能给舞台表演带来怎样的变革？这些都是创新尝试必然要解决的问题。

对于这场依靠新技术探索线上演出领域的演唱会，澎湃新闻采访了爱奇艺副总裁，智能制作部负责人朱梁、总制片人杨海涛、执行制片人吴磊和总导演谭寅子，聊了聊有关这场演唱会的策划、设计、XR的新技术在未来能否真的用在更多线上演出等话题。

“我们发现美剧《曼达洛人》用虚拟制作拍的，虚拟可以替代现实；第二个是看到迪士尼上了个音乐剧《汉密尔顿》，把音乐剧搬到了线上，票房收入和行业的影响力特别大，第三，整个疫情期间线下演出行业都停了。”爱奇艺副总裁朱梁这样解释促成这场演唱会的原因。总制片人杨海涛也表示，国内外不少艺人的线上演出都比较“初级和原生态”，因此爱奇艺团队并未急着跟风 ，“我们先是研究，大家的优点是什么，不足是什么。”

观望和研究持续到去年五六月份，最终，他们选定了几个方向，“第一个是虚拟制作，第二个方向是直播，第三是给用户陪伴感，要有互动。这三点都是基于与线下演唱会的对标，再大牌的歌手，线下唱完后，演唱会在网络的回放数量都不大，粉丝还是想要现场的感受。”杨海涛解释。

最初的投入是从硬件着手，建虚拟制作基地，“因为硬件投入之后，不仅仅是做一个演唱会、演出，未来它是爱奇艺全产业链里虚拟影视的拍摄。”杨海涛解释。

斯芬克斯

到去年9月左右，THE9的演唱会被确定为要运用虚拟技术的演出。这其中原因不言而喻，THE9是自家偶像团体，执行制片人吴磊坦言，如果当时要迅速给THE9做一场线上直播演唱会，筹备周期可能一个月就可以了，但他认为，“这是对THE9不负责任的。”

总导演谭寅子回忆，从去年9月开始，整个导演组就开始进行技术培训，“我们要知道拿到手的这个武器是什么样的使用方式，它能够达到什么效果。培训大概有三四轮。”

经过这个漫长的培训期，谭寅子也感慨，对于技术壁垒的突破或许是XR技术未来广泛运用中可能遇到的最大问题，“所有的创作人员要变成一个技术控，很多艺术家们要变成懂技术的艺术家。进入XR这个行业门槛一开始就很高，因为你要懂它内在的逻辑和基本技术的知识，未来它的使用场景会越多，对行业的人的要求也会越高。”

经过两个月的筹备、技术排期和培训，去年11月，团队和THE9的成员们开始了沟通。“线下空间很有限，变化也没有那么多，只能说我希望我是黑白的，是不是能有个激光，只能在效果上做一些变化。这一场是整个空间可以千变万化的，她可以造一个她想象中的场景。”谭寅子介绍，比如刘雨昕不想要Old School的风格，喻言喜欢暗黑的风格，陆柯燃喜欢有异域风情的元素……

Lion

实际上，在XR虚拟演唱会中，更令人好奇的是堪比线下看演出的互动体验感。

演唱会看的是什么？花钱买前排是为什么？当然是为了感受歌手的现场，也和众多歌迷同处一个空间，尤其对于偶像团体的演唱会，情绪价值非常重要。这些是线上演唱会能提供的吗？

“我也经常看演唱会，但是我买了第一排的票，也很难真正跟我的偶像去做特别强的互动，毕竟第一排和舞台还是有很远的距离。但在虚拟演出过程中，真正能够让粉丝从心理上感到他跟他的偶像去互动。”杨海涛表示，和线下相比，XR虚拟技术下的互动相比线下演唱会只会增加，他介绍，他们设计了一个叫“Avatar” 的虚拟娃娃，就是粉丝应援的一个强体现，“在这个过程中，通过跟粉丝的互动打赏，粉丝有一种坐在包厢里的感觉。”

官方应援棒

其次，是粉丝文化中的应援设计。杨海涛介绍，他们同样也做了线上虚拟应援棒，“这个应援棒我们通过远程技术的控制，程序的控制，发出的光线跟舞台的光线会同步的。”更重要的是，虚拟娃娃和应援棒是可以自己组队的，组完队之后，应援棒和虚拟娃娃的节奏控制可以同步，相当于在线下演唱会上粉丝的“灯牌大战”。杨海涛表示，从虚拟娃娃到应援棒到可以组队，都是XR可以提供的“粉丝感受”。

除此之外，这次演唱会最吸引人的地方，是会有325个粉丝直接能通过线上连线，有机会一对一和爱豆一起做游戏，一起聊天，“这个互动，我相信很多线下演唱会都做不到，你很少有机会和台上的偶像单独说话。”

执行制片人吴磊也感慨，在前几天的测试中连线了300个粉丝，他发现，现在年轻人不会像以前一样在电视机前看东西了，这种连线对年轻人非常有吸引力，也符合他们的用户惯性。

《Dumb Dumb Bomb》

即便有以上这些对标线下演唱会的优势，但观众要求的现场感还是没能解决，总导演谭寅子总结，其实线上和线下演唱会本就是两个赛道。疫情结束并不代表线上演出就会逐渐再次消失。

“它们两个不会说此消彼长，它是另外一种不同的体验，我以前做线下演唱会的时候，我们更多是说现场观众听到这首歌，以及是不是有可能大合唱，他在现场感受到身边人的热情氛围。线上是完全不一样的逻辑，线上我们会让它有更多的针对于这个视觉能够传递给他的冲击，这是一个侧重点。另外我们会开放更不一样的互动体验，如果被抽中和明星一对一聊天，反而比线下他离明星的距离会更近一些。线上和线下不冲突，只是他们的体验感和体验的方式不太一样。线下演唱会和XR线上演唱会并不是两个互相排斥的非A即B的关系，是可以互相包容、互相补充的关系，XR技术补充了我们对舞台更多的想象，大家可以看到更好的视觉体验。”

【对话】

“THE9很知道自己想要什么”

澎湃新闻：和线下演唱会相比，虚拟演唱会最大的不同和最困难、最有挑战的事情是什么？

谭寅子：侧重点不一样，线下可能更多的是执行力，我更多的是基于实际，比如我定了要做一场鸟巢的演唱会，我需要到鸟巢实际看现场，我需要测量舞台的长宽高、承重，以及观众的座位，他的视线是怎么样。如果是虚拟的演唱会，给了我巨大的空间，其实它是对我的想象力的一种挑战和开发，突然给你非常大的权力的时候，你能把舞台塑造成什么样，完全是靠你自己的脑子，这个过程和线下是最不一样的。我们当时也在想，要不要这十几首歌曲有勾连，他们是不是需要在同一个场景里？要不要给它造一个世界观？怎么和艺人的风格进行匹配？

后面的部分更多的是对技术难度，的确国内也没有做过这种纯XR的线上直播，我们现在在不断进行测试，以保证直播过程中不出现任何问题。

《猎》

澎湃新闻：想象力的灵感来源大概是什么？和THE9的沟通大概是什么样的？

谭寅子：我非常明确地感觉到，她们对自己的歌曲有非常执着的想法，很知道自己想要什么。比如非常希望有一个异域风情的，希望有一个王座，甚至细节到logo上，有一个枪打出来的枪眼，她们的需求非常明显。我要做的是，在这个基础之上，给她们设计一个完整的场景和故事。

我们进行了非常多轮的沟通，前期会做一些手稿给她们看，后面会做一些小的片段、示例、小样，大家去交流，最后整个歌曲完成的成片，大家也会去看。因为是XR立体的，会让我们的工程师在测试的棚里做一些演绎，在森林里面的走动到底是什么样子。

我们整场所有的歌曲的风格不是很一样，包括他们的场景化也不一样。但是我不能只是存在于每一首歌做好了就可以了，XR给了我更大的空间，让我把每一首歌的样子串起来，像一个无限的有更多立体感的未来城市。

比如整个这个城市是有纵深的，从天上的星球到地面到折叠区域，到地下，以及某一个小小的电话，我力求让每一个表演之间会有勾连，其中有一个表演，是在一个楼顶的天台上，在这个天台上后面透过去的一些景，就能够看到下一首歌。可能是刘雨昕表演的一条高速公路，或者是谢可寅会在一个星球上，这个星球其实在这个天台表演时，远远的，后面有个星球。她们所有的场景都是聚合在一起的，是真正的立体的整合体的城市空间，每个人有她自己的一片领地，可以彼此遥遥相望的感觉。

XR的技术手段，能让我的想象变成现实的可呈现的东西。我们有两首非常写实的XR的场景，一个是森林，一个是狮身人面像。如果是线下表演，基本上我只能把这个背景放在大屏上，但在这个写实的XR里，我给她们建立了一个森林，女孩们坐着车，在这个森林里穿越，她中间可能会路过一些倒了的树，会路过一些石头的岩壁，会有一些树从她的前面滑过去，或者能让你真的觉得，狮身人面像就在你旁边，我能够看到狮身人面像脸上所有的坑坑洼洼的地方，甚至你觉得，可能它的眼神好像就在看你，包括火把附近的热空气，都是不太一样的。它会让你觉得，你就在这个场景里，非常有包裹感，极其真实。这个在以往的舞台场景里，是没有办法想象的。

《Not Me》

澎湃新闻：粉丝到现场去看和在线上看，感觉会有所不同，即便你设计得再好，可能还是给很多人一种看MV的感觉。你是怎么看待XR演唱会对于粉丝和偶像之间互动的关系？

谭寅子：我们这场演唱会做了非常多互动的创新，比如我会有325个观众，可以通过1V1的线上连线到这个屏幕上，这325人中，将有六名“幸运儿”被抽中和艺人进行面对面的谈话。如果是在线下，大家没有办法刷那么多的存在感。

澎湃新闻：整个过程当中涉及到的工作人员和你投入的精力，和线下相比是完全不同，还是说精力上差不多？

谭寅子：相比来说，可能还是这次稍微投入更多，其实这次我不光要负责现场舞台，原本线下演唱会的工作是不变的，还要把它变成纯XR。15首歌，我就要做15个舞美的XR设计，这个部分工作量是会翻倍的。

“任何技术的推进，必然面临成本的衡量”

澎湃新闻：虚拟演唱会的投入和线下演唱会相比大概是什么比例？

杨海涛：这种不太好去比，所有的投入成本前期投入应该是会比较高，但是随着这个技术的成熟，我们后续的边际成本会逐渐降下来。

吴磊：这个模式，我们踩了很多坑，也做了很多新的尝试。制作能力本身是有一个长尾效益的，比如说我们年初做的“为爱尖叫”晚会，你会看到里面有多画面的选择，跟传统是不一样的，第二个，你会看到真人秀，传统的晚会里你看不到。像《隐秘的角落》的番外片，可能就是一个戏剧，我们在内容层面上一步一步在做探索。

澎湃新闻：最大的资金投入是哪块？

杨海涛：在技术研发这块，包括了硬件的投入和软件的研究。为虚拟制作投入的资金过亿。第二是内容开发的成本，不是简单的演唱会，歌曲编排再加上伴舞舞蹈、灯光、舞美，投入很大，困难也多。另外，也包括底层一定要解决的票务开发。

我们现在开发的云票，有很多国内现在没有的技术。举个简单的例子，你买了票，你可以有跟实体票一样可使用的场景，你可以转赠，随手送给你的朋友、家人，转赠过程中特别流畅。第二，使用权利的方面，因为演唱会跟你在网上点播一个东西的逻辑还不太一样，在这些方面的创新和研发会投入比较大。

吴磊：补充一下，我们做云票的支付方案，跟传统的长视频的支付不太一样，包括跟大麦、猫眼买的线下票也不一样，大麦、猫眼你买个纸质的票，我们这里，你买个票，里面对应的不同的权益，你还可以送。

澎湃新闻：在定价考虑上，很多人会觉得，我怎么可能会跟线下花一样多的价钱去看一个线上演唱会，大多数人不是特别能够理解这样一个逻辑。

杨海涛：这应该是一个逐渐（适应）的过程吧，就像我们爱奇艺的会员定价一样，最早我们定价爱奇艺会员是5块钱，对标的是当时的盗版，到现在我们付费的会员基数程度越来越高。我相信在线演唱会对于所有的观众来说，我们首先解决的是，他能感受到一场高品质的演唱会，高品质的演唱会，不只是说你坐在体育馆里才能感受，在你的技术和播放非常完美的情况下，他同样在屏幕上可以感受到，而且这个屏幕上是互动的，互动让他有了真实的伴随感。那么他最终接受我们的定价，也就不是一个难题。

这次定价，我们讨论了很久，从经纪公司到对行业内的一些调研，做了很多工作。实际上，我们现在的票价，对于粉丝来说，还是非常好接受的，比如我们的高价票到目前为止基本上已经快卖完了。演唱会的售票页面

澎湃新闻：怎么看未来的技术和成本方面的一些平衡。

朱梁：任何技术往前推进的时候，必然会面临成本的衡量，我们可以看到从LED开始进入到广告领域，包括演唱会的领域，性能在不断上升，但是成本又在飞速下降。据我所知，现在至少已经有200个摄影棚，在北美地区开始装配LED拍摄的方案了，这会是一个非常大的潮流，当这个市场起来以后，会有很多的LED厂商关注到这个市场的需求，降价是毫无疑问的事，我相信未来的解决方案会越来越多，价格会越来越便宜。

澎湃新闻：这可能是疫情的特定契机之下，行业去研究的方向或者新的形式，等疫情过去了，你认为这会是一个未来的趋势吗？

杨海涛：我觉得会，这是一个用户的习惯问题。以前大家觉得，在电影院看电影和在手机上看电影是两个概念，但是现在都存在，各自有各自的使用场景。

澎湃新闻：THE9毕竟是个偶像团体，粉丝愿意为爱豆花钱，如果是一个更大众向的歌手，会不会愿意买的观众就没有那么多？

杨海涛：我们会不断拓展业务范畴，未来可能有很多舞台剧会用这个方式去做，这种现实生活中相对较小众的，偏文化的，高端的艺术形式。

因为这个技术主要在乎内容创作，不是这种强爱豆的，歌手一样有他的粉丝。我们以后主要会有强剧情、强内容的作品，给到用户的是内容的消费。

吴磊：如果用绿幕，周边的环境对于这个角色的影响，几乎可以说是完全没有，非常假，没有沉浸感。但是LED的环境，给我们造成这样的可能性，可以在我们身上、皮肤上、穿戴上做出各种投射，给我们增加真实感。这是很大的优势。

在未来，我觉得不仅仅是演艺行业，会改变我们整个电影制作，包括所有的实景拍摄的部分，它可以作为重要的补充，你说它能不能完全替代实景拍摄，我觉得要存疑的，毕竟是有空间的限制，但是它能做到实景没有办法带给你的那种视觉感受，包括空间的转换，还能提升我们的制作效率，促进我们全球的协同。

我们的主创人员，不一定非得在同一个物理空间当中，就可以协同地把这个节目或者是这个片子拍出来，不仅仅是商业大片，还有文艺片也可以用这种方式来做，是后期前置的概念。先有想法，我们再实现一点，方案都定下来以后，现场的执行相对要靠谱得多，也没有什么可改的，最终出来的结果就会很快，而且会很好，这个会改变整个制作行业的生态和生产关系，是一种更大的变革。

来源：中国青年报